Mit Ausstellungen, Interventionen und Veranstaltungen bespielt die 12. Berlin Biennale mehrere Orte in der Stadt – darunter in diesem Jahr auch der Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin – und erstreckt sich als diskursiver Raum über verschiedene Bereiche der Wissensproduktion.

Mit ihren Ausstellungsorten kartografiert die 12. Berlin Biennale historische Brüche sowie politische und soziale Transformationsprozesse, die in Berlin ihren Anfang nahmen und weit über die Stadt hinauswirken. Vor diesem Hintergrund formulieren die Beiträge zur 12. Berlin Biennale dekoloniale Strategien und Praktiken für die Gegenwart.

Kurator der 12. Berlin Biennale: Kader Attia
Kader Attia blickt auf mehr als zwei Jahrzehnte dekoloniales Engagement zurück. Als Künstler, Denker und Aktivist hat er sich insbesondere mit dem Begriff der Reparatur, zunächst von Objekten und körperlichen Verletzungen und schließlich von individuellen und gesellschaftlichen Traumata, beschäftigt. Die Reparatur hat sich dabei als eine Möglichkeit kulturellen Widerstands erwiesen, als eine Art der Handlungsmacht, die in unterschiedlichen Praktiken und Wissensformen Ausdruck findet. Als Kurator der 12. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst macht Kader Attia diesen Ansatz zum Ausgangspunkt eines Programms, das Beitragende und Publikum in eine kritische Debatte involviert und in eine gemeinsame Suche nach Wegen, für das Jetzt Sorge zu tragen.

Ausstellungsorte der 12. Berlin Biennale
Ausstellungsorte der 12. Berlin Biennale sind die Akademie der Künste (Hanseatenweg und Pariser Platz), Dekoloniale Memory Culture in the City, KW Institute for Contemporary Art, Stasi Headquarters. Campus for Democracy und der Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin.

Kader Attia sagte: „Ich werde oft gefragt: Was kommt nach dem dekolonialen Denken? Mir geht es jedoch weniger um das, was danach kommt, als vielmehr darum, dass es sich um ein ständiges Gespräch im Hier und Jetzt handelt, um eine Reihe von Reparaturen, die in verschiedenen Bereichen der Gesellschaft stattfinden.“

Der Kolonialismus wirkt noch lange nach, nachdem die Menschen im globalen Süden ihre politische Unabhängigkeit erlangt haben. Über 500 Jahre koloniales Denken und Handeln haben alle Lebensbereiche geprägt – in den Gesellschaften des Südens ebenso wie in denen des Nordens. Koloniale Gewalt, Faschismus und kapitalistische Ausbeutung bestehen fort, wobei neue Spielarten entstehen. Die Befreiung des Wissens, Denkens und Handelns von kolonialen Mustern ist der Antrieb eines dekolonialen Prozesses, der das Gelernte verlernen und den eigenen Standpunkt kontinuierlich hinterfragen will.

Kader Attia blickt auf mehr als zwei Jahrzehnte dekoloniales Engagement zurück. Als Künstler, Denker und Organisator hat er sich besonders mit dem Begriff der Reparatur befasst – zunächst mit Objekten und körperlichen Verletzungen und anschließend mit individuellen und gesellschaftlichen Traumata. In seiner gesamten Praxis hat sich die Reparatur zu einer Form des kulturellen Widerstands entwickelt, einer Form des Handelns, die sich in verschiedenen Praktiken und Wissensgebieten ausdrückt. Als Kurator der 12. Berlin Biennale macht Attia diese Form der Agentur zum Ausgangspunkt eines Programms, das Mitwirkende und Publikum gleichermaßen in ein kritisches Gespräch darüber einbezieht, wie man sich um das Jetzt kümmert.

Mit der Anerkennung von Kunst als aufwändiger Form der Reparatur entfaltet sich die 12. Berlin Biennale um eine Reihe von Fragen. Wie lässt sich die Dekolonisierung der Kunst denken – von der Restitution geplünderter Güter bis hin zu einer antikolonialen Erinnerungskultur? Welche Rolle können nicht-westliche feministische Bewegungen bei der Wiederaneignung von Geschichte und Identität spielen? Wie hängen Klimakrise und Kolonialismus zusammen, und wie kann der Ressourcenentnahme Widerstand geleistet und einheimisches Wissen anerkannt werden, um Ökosysteme zu erhalten?

Mit Ausstellungen, Interventionen und Events wird die 12. Berlin Biennale verschiedene Orte in der Stadt umspannen und einen diskursiven Raum bieten, der verschiedene Felder der Wissensproduktion überbrückt. Vom 11. Juni bis 18. September 2022 entwickelt sich eine vielstimmige Debatte, die Künstler*innen, Wissenschaftler*innen und Aktivist*innen zusammenbringt, um die Welt mit ihren Brüchen und Widersprüchen zu kartieren, Gegenerzählungen zur kolonialen Chronik zu schaffen und gemeinsam neue Formen des Handelns für die Zukunft zu gestalten.

Originally founded in 1967 by the gallery owners Hein Stünke and Rudolf Zwirner as the ‘Kunstmarkt Köln ’67’, ART COLOGNE is today one of the most important international addresses for exceptional and high quality art of the 20th and 21st centuries. Around 200 leading international galleries from more than 20 countries come together annually and present a broad offering of modern and contemporary works in all price segments and movements by more than 2,000 artists.

ART COLOGNE presents art lovers and collectors with the most varied offering segments, including the GALLERIES section with modern and postwar art and extending to the modern and contemporary art of established galleries. This also includes the NEW POSITIONS section, a sponsorship programme that makes it possible for young artists to present their works in their own promotional booths next to the stands of their gallery owners. In addition to this, with the NEUMARKT section, ART COLOGNE presents the central platform for the “cutting edge art” of young galleries that have existed for no more than ten years. Curated presentations and special projects from galleries of all age classes are also found in the NEUMARKT section.

A supporting programme of exhibition openings and events in museums and institutions throughout the Rhineland, as well as integrated services, pleasant lounges and the best food service round off the trade fair and make ART COLOGNE one of the events of this year in Germany that you shouldn’t miss.

Titled We don’t need another hero, the 10th Berlin Biennale for Contemporary Art is a conversation with artists and contributors who think and act beyond art as they confront the incessant anxieties perpetuated by a willful disregard for complex subjectivities.

Starting from the position of Europe, Germany, and Berlin as a city in dialogue with the world, the 10th Berlin Biennale confronts the current widespread states of collective psychosis. By referencing Tina Turner’s song from 1985, We Don’t Need Another Hero, we draw from a moment directly preceding major geopolitical shifts that brought about regime changes and new historical figures. The 10th Berlin Biennale does not provide a coherent reading of histories or the present of any kind. Like the song, it rejects the desire for a savior. Instead, it explores the political potential of the act of self-preservation, refusing to be seduced by unyielding knowledge systems and historical narratives that contribute to the creation of toxic subjectivities. We are interested in different configurations of knowledge and power that enable contradictions and complications.

Already launched in July 2017, I’m Not Who You Think I’m Not, the public program of the 10th Berlin Biennale, set the tone in a first event that took place in collaboration with the independent educational initiative Each One Teach One (EOTO) e. V. in Berlin. This was followed by a panel discussion in cooperation with the FNB JoburgArtFair in September 2017. The public program disavows assumed beingness and know-hows, perspectives that are often based on existing, constructed social frameworks and their associated speculations about particular subjectivities. Throughout the buildup to the 10th Berlin Biennale until its conclusion in September 2018, the public program creates situations evading these points of view and, at the same time, proposes a refreshed grammar for facing the present.

We don’t need another hero is curated by Gabi Ngcobo with a curatorial team composed of Nomaduma Rosa Masilela, Serubiri Moses, Thiago de Paula Souza, and Yvette Mutumba. It takes place from June 9 to September 9, 2018 at various venues in Berlin.

Read more about the institution and past Berlin Biennale editions.

VENUES
AKADEMIE DER KÜNSTE

Akademie der Künste (Hanseatenweg), photo: Timo Ohler
Founded in 1696 as an academic institution, the Akademie der Künste is one of the oldest cultural institutions in Europe. The Akademie has been formed through a membership process, which endures to this day. In its early history the Akademie der Künste foregrounded learning through teaching and exchange among members. Having established itself as a center for national cultural renewal and enlightenment, it gradually assumed its present-day form as a platform for discussions on art and politics. The 10th Berlin Biennale is interested in positioning sociopolitical and historical narratives in conversation with stories that inhabit the expansive archives of the Akademie, the lineage of membership, and the Brutalist architecture of Werner Düttmann from the late 1950s.

The 10th Berlin Biennale exhibition at the Akademie der Künste starts with a temporary structure that introduces historical and visual elements from two heritage sites and one historical figure: Sanssouci, a summer palace built by Frederick the Great, King of Prussia in Potsdam, DE, between 1745 and 1747; Sans-Souci Palace in Milot in Haiti, built by King Henri of Haiti between 1810 and 1813; and Haitian revolutionary leader, Colonel Jean-Baptiste Sans Souci, an enslaved African who led troops in guerrilla fighting against the French in 1791. This conceptual frame underlines the ideological underpinnings of all historical narratives and the institutions that house them.

Hanseatenweg 10, 10557 Berlin

KW INSTITUTE FOR CONTEMPORARY ART

KW Institute for Contemporary Art, courtesy Tatjana Pieters, photo: Frank Sperling
Founded in the early 1990s, shortly after the fall of the Berlin Wall, KW Institute for Contemporary Art is a space for the production, display, and dissemination of contemporary art. Founded as an association of young people passionate about art, KW and the Berlin Biennale for Contemporary Art that soon followed were established with the desire to engage with international contemporary art discourses. Throughout the past twenty-six years, KW has been able to construct its own legacy around the people who have shaped its development and those who continue to imagine its future. We don’t need another hero marks an intersection from which we can imagine what the next twenty years of a global-minded contemporary art biennial might look like. The exhibition at this venue begins by introducing viewers to a portrait of a selection of people who have helped define the institution and continues with works that renegotiate inherent hierarchical structures in political spaces, knowledge generating institutions, and personal spaces.

Auguststraße 69, 10117 Berlin

VOLKSBÜHNE PAVILION

Volksbühne Pavilion, © Volksbühne Berlin
The Volksbühne Pavilion is a glass construction located on Rosa-Luxemburg-Platz next to the Volksbühne theater’s main building and situated a short walk away from KW. Previously the pavilion hosted artists’ projects as well as the theater’s bookshop and box office. For the 10th Berlin Biennale the pavilion features an artistic project that considers its historical location of the pavilion and includes a malleable installation open to public participation. Here performances and other durational actions take place over the course of the biennial.

Rosa-Luxemburg-Platz, 10178 Berlin

ZK/U – CENTER FOR ART AND URBANISTICS

ZK/U – Center for Art and Urbanistics, © Zentrum für Kunst und Urbanistik, 2017
ZK/U – Center for Art and Urbanistics is located on the grounds of a former railroad depot in Berlin’s neighborhood of Moabit. It was initiated and is run by the artist collective KUNSTrePUBLIK. The collective cooperated with the 5th Berlin Biennale in 2008, in which their temporarily installed project Skulpturenpark Berlin_Zentrum also served as a venue. At the time the “park” was an empty plot of land, a former part of the Berlin Wall in the heart of the city—and the object of intense real-estate speculation. The 10th Berlin Biennale reestablishes a dialogue with the collective by inviting selected artists for extended stays in Berlin to work in the studio spaces that form part of ZK/U’s residency program. In their practices these artists investigate how their politicized bodies respond to the inherent systems of power that define the built city environment. Other projects critically examine varied imagined schemas for natural and constructed environments, both present-day and historic.

Siemensstraße 27, 10551 Berlin

HAU HEBBEL AM UFER (HAU 2)

HAU Hebbel am Ufer (HAU 2), photo: Jürgen Fehrmann
HAU Hebbel am Ufer in Berlin-Kreuzberg unites the three spaces HAU1, HAU2, and HAU3 in an international production house for performing arts. At HAU2 the 10th Berlin Biennale presents two evenings dedicated to an artistic research project that investigates the history of Kwaito, a musical genre that originated in Soweto in post-1994 South Africa. The events take place on June 15 and 16, 2018, two specific dates marking the forty-second anniversary of the 1976 Soweto student uprising, an event that serves as an important reference point for the #RhodesMustFall and #FeesMustFall student protest movements that have been ongoing in South Africa since 2016. HAU2 also serves as a site for a temporary exhibition between June 9 and 10 as well as June 13 through June 16, 2018 from 5 to 10 pm.

Hallesches Ufer 32, 10963 Berlin

OPENING HOURS
Wed–Mon 11 am–7 pm
Thu 11 am–9 pm
Tue closed

ADMISSION
Admission all exhibition venues 16 €
Reduced 10 €

Groups of 10 or more, per person 14 €
Groups reduced 8 €

Tickets

MEDIATION
The mediation team for the 10th Berlin Biennale consists of qualified mediators, who create opportunities for diverse audiences to approach contemporary art through collective discussions. At Akademie der Künste, KW Institute for Contemporary Art, and ZK/U – Center for Art and Urbanistics, a selection of artistic positions engage visitors in dialogue.

PUBLIC GUIDED TOURS

Public guided tours are in German and can be booked online.

Every Saturday, 2 pm:
Akademie der Künste
Duration: 90 minutes
5 €, reduced 4 €
(Admission not included)

Every Saturday, 4 pm:
ZK/U – Center for Art and Urbanistics
Duration: 60 minutes
4 €, reduced 3 €
(Admission not included)

Every Sunday, 4 pm:
KW Institute for Contemporary Art
Duration: 90 minutes
5 €, reduced 4 €
(Admission not included)

Meeting point
Ticket desk at each respective venue

Book guided tour

GUIDED TOURS FOR GROUPS

Tours in English and German can be booked online for groups of up to 20 people.

For tours in other languages and additional questions, please contact:
T +49 (0)30 24 34 59 979
F +49 (0)30 24 34 59 99
visit@berlinbiennale.de

We recommend planning 90 minutes for tours at Akademie der Künste and KW Institute for Contemporary Art. Tours at ZK/U – Center for Art and Urbanistics should last approximately 60 minutes.

Prices
60 minutes: 95 €
90 minutes: 140 €
120 minutes: 185 €
Every additional hour: 90 €
(Admission not included)

Reduction for Students
60 minutes: 85 €
90 minutes: 120 €
120 minutes: 155 €
Every additional hour: 80 €
(Admission not included)

Guided Tours for School Classes and Preschool Groups
60 minutes: 65 €
(Admission included, on request)

Meeting Point
Ticket desk at each respective venue

Book guided tour

QUALIFICATIONS FOR TEACHERS AND EDUCATORS

Our qualification reflects the interests and concerns of contemporary art practices and unfolds in an alternative teaching and learning environment within the framework of the 10th Berlin Biennale. Offers apply experimental methods within the Berlin Biennale and beyond. Included are the initiation and support of artistic processes in the classroom and in exhibition spaces as well as related reflections.

Prices and duration on request. We are happy to coordinate an appropriate program for your group.

As part of the study week Meeting Cultural Education! with participants from all over Europe, modules in English from September 3–8, 2018 can be booked per day online. Booking and further information here.

For questions about our qualification offers, please contact:
Mona Jas
T +49 (0)30 24 34 59 54
F +49 (0)30 24 34 59 99
visit@berlinbiennale.de

Meeting Point
Ticket desk at each respective venue

GROUP VISITS

Groups of more than 20 people should contact us in advance: visit@berlinbiennale.de or T +49 (0)30 24 34 59 979.

GROUPS WITH INDIVIDUAL GUIDES

Please note that groups accompanied by their own guide must register at visit@berlinbiennale.de or T +49 (0)30 24 34 59 979 and are required to pay a licensing fee of 35 Euro (max. 20 people including guide).

ACCESS
BUS, TRAIN, AND TRAM

Akademie der Künste
Hanseatenweg 10, 10557 Berlin
S-Bahn S3/S5/S7/S9: Bellevue
U-Bahn U9, Bus 106: Hansaplatz

KW Institute for Contemporary Art
Auguststraße 69, 10117 Berlin
S-Bahn S1/S2/S25/S26, Tram M1/M5: Oranienburger Straße
U-Bahn U6: Oranienburger Tor
U-Bahn U8: Weinmeisterstraße

Volksbühne Pavilion
Rosa-Luxemburg-Platz, 10178 Berlin
S-Bahn S3/S5/S7/S9: Alexanderplatz
U-Bahn U2, Tram M8, Bus 142: Rosa-Luxemburg-Platz

ZK/U – Center for Art and Urbanistic
Siemensstraße 27, 10551 Berlin
S-Bahn S41/S42, Bus 106/123/TXL: Beusselstraße
S-Bahn S41/S42: Westhafen
U-Bahn U9: Birkenstraße

HAU HEBBEL AM UFER (HAU2)
Hallesches Ufer 32, 10963 Berlin
S-Bahn S1/S2: Anhalter Bahnhof
U-Bahn U1/U3/U6: Hallesches Tor
U-Bahn U1/U3/U7: Möckernbrücke
Bus M41: Willy-Brandt-Haus

ESCOOTER AND BIKESHARING

With COUP eScooter sharing service to the 10th Berlin Biennale: new customers may use the code “BIENNALE” for three free 30-minute rides. Download the app and register for free. More information via joincoup.com. Offer valid until September 15, 2018.

Take a Deezer nextbike to all venues: use the code 767076 for a free daily pass. Registration and info: deezernextbike.de or use the app. Offer valid from June 7 until September 9, 2018.

„Langsame Heimkehr“, so der Titel, verweist auf Peter Handkes gleichnamigen Roman von 1984. Was Schriftsteller und bildender Künstler gemeinsam haben, ist der subtile Blick auf gesellschaftliche Themen. Liu wuchs einst mit Propagandabildern auf, bevor ihm im Land der brutalen Umbrüche und Aufbrüche die Lust daran verging. Noch als Student kopierte er Cézanne. So wie der Franzose mit dem Pinsel in der Hand und den Mont St. Victoire vor Augen malte, so wollte auch der Chinese die Situationen schildern. Es geht dem Nachgeborenen nicht um einen platten Realismus der Urbanisierung, sondern um das Individuum in einer konkreten, anti-romantischen Welt.

Das Erstaunliche aber ist, wie genau er die Menschen in ihren einschneidenden sozialen Veränderungen in Panoramenbildern festhält. Seine Vorkämpfer sind Courbet und Manet. In Düsseldorf, wo einst die Düsseldorfer Malerschule Triumphe feierte, wirken die figurativen Bilder wie die Rückkehr in längst vergangene Zeiten. Sie kommen allerdings kaum auf einem hohen Kothurn daher, sondern wirken einfühlsam und von hoher malerischer Qualität. In der Kunsthalle, wo Liu Malerei zeigt, gab es seit langem nicht mehr derart brillante Landschafts- und Genrebilder.

„Das Reisen verschafft mir eine größere Leichtigkeit.“
Liu Xiaodong, Maler

Ge­mein­sam mit dem NRW-Fo­rum Düs­sel­dorf prä­sen­tiert die Kunst­hal­le Düs­sel­dorf die welt­weit ers­te Re­tro­spek­ti­ve des chi­ne­si­schen Ma­lers Liu Xiaodong. Die Dop­pel­aus­stel­lung
mit dem Ti­tel „Lang­sa­me Heim­kehr“ zeigt so­wohl Ma­le­rei als auch Fo­to­gra­fi­en und Fil­me des Künst­lers, der in Chi­na zu den be­rühm­tes­ten Ver­tre­tern der zeit­ge­nös­si­schen Kunst ge­hört.

In sei­nem Œuvre zeigt Liu Xiaodong Mo­men­te und Ge­schich­ten des mensch­li­chen Le­bens so­wie Si­tua­tio­nen und
Land­schaf­ten in ei­ner her­aus­ra­gen­den Un­mit­tel­bar­keit und au­ßer­ge­wöhn­li­chen Em­pa­thie. Ei­ne Fa­mi­lie, ein Flücht­lings­boot, Land­ar­bei­ter oder das Rot­licht­mi­lieu – sei­ne Mo­ti­ve sind man­nig­fal­tig ge­wählt und durch läs­si­ge Pin­sel­stri­che und in­ten­si­ve Far­ben von gro­ßer Le­ben­dig­keit und ei­nem ein­neh­men­den Rea­lis­mus. Als Künst­ler en­ga­giert er sich für die un­ein­ge­schränk­te Viel­falt der Kul­tu­ren und die Di­ver­si­tät der Sub­jek­ti­vi­tät, was ge­le­gent­lich da­zu führ­te, dass er mit dem Sys­tem an­eck­te.

Liu Xiaodong bil­det nur ab, was er mit ei­ge­nen Au­gen sieht, mit der ei­ge­nen Na­se riecht und mit ei­ge­nen Oh­ren hört. Aus­gangs­punkt je­der Ar­beit ist es, Zeit mit den Prot­ago­nis­ten in ih­ren Le­bensum­stän­den vor Ort zu ver­brin­gen, be­vor er sie por­trä­tiert. Die­se par­ti­zi­pa­ti­ve Di­men­si­on sei­ner künst­le­ri­schen Pra­xis, die ihn be­reits nach Ti­bet, Thai­land, Ja­pan, Ita­li­en, Groß­bri­tan­ni­en, Ku­ba, Is­land, Ne­pal und Grön­land brach­te und dem­nächst auch nach Ber­lin führt, wird be­glei­tet von Ta­ge­buch­no­ti­zen und Fo­to­gra­fi­en. Zu­dem ent­ste­hen par­al­lel zu sei­nen Pro­jek­ten Fil­me, die sich den un­ter­schied­li­chen The­men aus der Per­spek­ti­ve des be­weg­ten Bil­des an­nä­hern.

Der Künst­ler be­geg­net dem Frem­den mit größt­mög­li­cher Of­fen­heit, um nicht dem Trug von Kli­schees oder vor­ge­fer­tig­ten Mei­nun­gen zu er­lie­gen. Er ist ein Ma­ler des mo­der­nen Le­bens, der die Fra­ge nach den Be­din­gun­gen des Mensch­s­eins eben­so zum The­ma macht wie die da­mit di­rekt ver­knüpf­ten glo­ba­len The­men wie Be­völ­ke­rungs­ver­la­ge­rung, Um­welt­kri­se und wirt­schaft­li­che Um­wäl­zung.

Die re­tro­spek­ti­ve Dop­pel­aus­stel­lung „Lang­sa­me Heim­kehr“ möch­te ei­nen Ein­blick in die enor­me Kom­ple­xi­tät
des Wer­kes von Liu Xiaodong ge­ben. Die Kunst­hal­le lie­fert hier­bei ei­nen Über­blick über die Ma­le­rei. Das NRW-Fo­rum wid­met sich in ers­ter Li­nie der Fo­to­gra­fie.

Ku­ra­tiert wird die Aus­stel­lung von Heinz-Nor­bert Jocks in Zu­sam­men­ar­beit mit Alain Bie­ber und Gre­gor Jan­sen.

Fair play
It’s the perennial question: how do you start with a blank canvas and end up with a multimillion-pound product? In just over a decade, Hong Kong’s art market has grown to the third-largest in the world, behind only New York and London. Fairs and galleries have blossomed in the city – and the local and street art scenes are thriving alongside them.

Much of Hong Kong’s art market has its origins in the Art HK art fair, set up in 2008 to spark investor interest in Hong Kong – the perfect location for China’s burgeoning art investors, as well as established western investors with a taste for contemporary Chinese art. The fair was a hit, and in 2013 Art Basel bought out Art HK, propelling it to international prominence. The annual show, this year running 29-31 March, is the keystone of the city’s art calendar – and its success has led a host of other art fairs to grace the city: Art Central is timed to coincide with Art Basel, but aims for a more Asian focus; the twice-yearly Asia Contemporary Art Fair is a far more intimate affair set over several floors of the Conrad Hotel; while May’s Affordable Art Fair is aimed squarely at first-time buyers. Auctions at Sotheby’s and have set global records, trading everything from pink diamonds to Warhols and whiskies.
Meanwhile, the gallery scene is booming, with international blue chip galleries moving into the Central business district: London’s White Cube and New York’s Gagosian and Lehmann Maupin, to name just a few, all occupy the few hundred square meters that mark the city’s most desirable retail real estate.

The brand new H Queen’s tower in the heart of Central is focused on luxury retail and art, with a prominent ground-floor exhibition space and skyscraping galleries from international names including Hauser & Wirth, Pace and David Zwirner. While you’re in the area, the venerable Pedder Building has long been home to some of the city’s most prestigious galleries, and a trip through its corridors can leave behind a score of happy gallerists.

Made in Hong Kong
While the international brands flood in, Hong Kong’s home-grown galleries are also fighting their way up. Once upon a time, the city’s galleries were to be found exclusively around the Hollywood Road strip of arts and antiques stores. But rising rents have forced many farther afield, and the recent opening of the MTR’s South Island tube line is gradually transforming the formerly industrial district of Wong Chuk Hang into a brand new arts hub. Housed in former warehouse buildings, galleries and artists are now able to spread their wings with large-scale installations and exhibitions that were never previously feasible. The South Island Cultural District, as it’s become known, holds the twice yearly South Island Art Day to draw people in to this hive of new, Hong Kong-focused creativity.

The sixth edition of Art Basel Hong Kong is underway with close to 250 galleries representing more than thirty countries and territories staging exhibits. From new work by high-profile artists, to masterpieces by the likes of Picasso and Lichtenstein – a public with a growing appetite for art is sure to be satisfied.

Chinese artist Sanyu tops Paris auction at €6.9m

Sanyu’s Pot of Flowers painting sold for a hammer price of €6.9m (£6.1m) at Aguttes on December 18.
The latest sale of Asian paintings held by Aguttes in Paris was led by a c.1930 work by the Chinese artist Sanyu (1901-66).

Pot of Flowers or Peonies, a signed 3ft x 2ft 5in (92 x 73.5cm) oil on canvas depicting a flowering plant, was consigned from a private collection in the Ile de France region.

It was appearing on the market for the first time and was estimated at €3m-€4m.

The work is listed in the artist’s catalogue raisonné and featured in a Sanyu exhibition in the Netherlands approximately 70 years ago.

The artist (also known as San Yu) was born in Sichuan in 1901 and studied in Japan before moving to Paris in 1920. He exhibited regularly at the Salons d’Automne during his lifetime but interest has also been raised more recently after an extensive retrospective of his work was held at the Musée Guimet in 2004.

Pot of Flowers was deemed an attractive example of his work and it duly brought a number of bidders at the sale held at Hotel Drouot on December 18 and was finally knocked down at €6.9m (£6.1m).

CURATOR OF ANSELM KIEFER SHOW IN CHINA SPEAKS OUT AGAINST ARTIST’S CRITICISM OF EXHIBITION
Beate Reifenscheid, the chief curator of “Coagulation,” an exhibition of Anselm Kiefer’s work that opened at Beijing’s Central Academy of Fine Arts Museum last November—which Kiefer and his gallerists did not support, as the artist says he was not involved in the show’s organization—has spoken out against the artist and his galleries, writes Georgina Adam of the Art Newspaper.

As artforum.com reported in November 2016, Kiefer criticized the exhibition in a statement: “Throughout my career I have been heavily involved in all my major international exhibitions and it is a matter of deep regret and frustration that the organizers of my first show in China have seen fit to exclude me from this process.” Reifenscheid says that the artist’s comments violate curatorial freedom: “Curators must respect the artist but also be able to work for the wider public’s benefit. If all artists and their art dealers could control when, where, and why their art is displayed in museums after it’s sold, the public interest would not be fully served.” One of Reifenscheid’s colleagues, the critic and curator Klaus Honnef, stated, “I am convinced that the so-called global players in art dealing threaten not only curatorial freedom . . . They work hand-in-hand with private and allied collectors. Nearly all important artists, meaning those with high commercial potential such as Kiefer, are represented by these powerful art dealers . . . who are protecting their financial interests. This is the real background to the problems with the CAFAM exhibition.”

CAFAM enlisted the help of Bell Art—an organization based in Hamburg that encourages cultural exchange between Europe and China—when it put the show together. Eighty of the eighty-seven works in the exhibition belong to Chinese collector Maria Chen Tu, who lives in Germany. Five others were on loan from private collections to the Ludwig Museum in Koblenz, which Reifenscheid directs (she was, however, not paid for coordinating the Kiefer show while working for Bell Art).

The galleries who represent Kiefer—Gagosian, Thaddaeus Ropac, and White Cube—also support the artist in his criticism. On the artist’s and galleries’ behalf, Thaddaeus Ropac said, “We categorically reject the idea that we were against the exhibition at CAFAM in Beijing because of commercial interests. Why would the exhibition have a negative commercial impact on [Kiefer’s] galleries? Our role is to support our artists in all their ideas and projects, whether they are commercial or not.” Ropac also stated that when he first received notice about the CAFAM exhibition, he tried contacting Reifenscheid, who refused to speak to him.

a towering figure of post-war German art, revisits the past

White Cube has championed contemporary German art in Hong Kong since setting up shop here in 2012. “Let a Thousand Flowers Bloom”, a solo exhibition of new works by Anselm Kiefer, was among the Central gallery’s first shows. And its latest offering is another giant of the German art world: Georg Baselitz, whose works were also featured at Ben Brown Fine Art’s survey of German art last month.

There is good reason to showcase post-war German works in any serious, contemporary art gallery.

Baselitz and his peers born in the 1930s and ’40s, such as Kiefer and Gerhard Richter, are counted among the most important contemporary European artists of their generation. Their works are informed by the intense soul-searching undergone by a nation that inflicted great horrors on humanity in the second world war, a nation subsequently riven into two ideological camps and a nation that has seen those wounds heal.

As such, they tap into a collective consciousness of guilt, identity, reconciliation and other weighty, universal themes that make great art. Yet, the fact that these artists are seen to hail from such a specific, Teutonic background means that they are far from being household names in Asia.

Looking at works by Baselitz is a good way into German art because he constantly pays visual homage to artists who have influenced him, and many are his fellow countrymen – and they are all men since he has made the ludicrous pronouncement, more than once, that no good, female, artist exists.

Baselitz has never been a stranger to infamy. Part of the reason is because he has created such unforgettable images as 1963’s The Big Night Down the Drain, which was confiscated by the German authorities for indecency: it features a dwarf-like, grim-faced figure stroking his giant, tumescent penis. But reception to his more recent works has been mixed, with some critics finding his rapidly executed “remixes” of previous works too gimmicky.

His response – in an email to questions – is that he revives past works for good reason. Because “the pressure of the past” has “evaporated”, he can now engage in “artful play” instead. Also, pictures he created 50 years ago can suddenly become close again and of contemporary importance.

“I have covered a vast repertoire and have created many paintings. Every day I work on my past,” he says.

As an example of how he revisits past motifs, the Hong Kong show will include panels that feature four, ghostly, disembodied legs wearing heels arranged in an X shape that are set against a black background, framed in gold.

Earlier this year, he had produced a similar series in white for White Cube’s pop-up gallery at the Glyndebourne opera festival, though he started using “legs that turn like a windmill”, as he describes it, in the early ’60s.

Baselitz says he cannot explain why he uses this image time and again. Nor can he explain why the legs are shaped like a Swastika. They are “statements”, he says, and he has put these paintings in golden frames for that purpose.

The gallery says the legs appear “obsessively throughout his oeuvre, which functions almost like a personal symbol or emblematic self-portrait”.
But the artist is also definitely making a statement about his gratitude to earlier artists. That same arrangement of legs was used by German artist Otto Dix in his 1920 woodcut Lärm der Strasse (Street Noise). Dix, who Baselitz acknowledges as a major influence, had often used fragmented limbs to suggest an inharmonious world and in Street Noise, the four legs form the spokes of a spinning wheel.

Another series in the exhibition features portraits that only fill one half of the canvas, depicting either the lower or upper half of a body, with the rest left blank. Again, this is a recurring style. “I have been using this style for many decades. I paint fragments, unfinished paintings, I stop and resume work, creating fractured paintings,” he says.

The awkward angles in which the figures hold themselves are reminiscent of another strong influence, Egon Schiele, and also of Antonin Artaud. In particular, the method used to paint the portraits is “crucial”, he points out.
The combination of thick swipes of colour and “refined lines” is a homage to the group of figurative artists loosely known as the School of London, which includes Francis Bacon, Lucian Freud and Frank Auerbach.

“The London School of painting methods has influenced my work strongly. The [school] really does interest me deeply, in the sense of a mysterious avant-garde interlude,” he says.

He acknowledges other German artists in another Hong Kong-bound work, a large patinated bronze sculpture called Winterschläfer, or hibernation. Here, a bundle of chopped off legs are bound together with rings, like twigs about to be thrown into the fire.

“While working on this sculpture my thoughts swung back and forth between Caspar David Friedrich’s Das Eismeer [The Sea of Ice] and Jospeh Beuys’ Schneefall,” he says. The former is a dramatic oil painting of a sinking ship after it rammed into ice sheets; the latter an installation of three pine tree branches poking from beneath layers of felt.

“It is very difficult for me to ignore our German history, which I have, after all, been part of since 1938,” he says.

“Georg Baselitz”, White Cube Hong Kong, 50 Connaught Road Central, Tue-Sat, 11am-7pm. Until December 5

CHINA 8 – Zeitgenössische Kunst aus China an Rhein und Ruhr
Acht Städte an Rhein und Ruhr, neun Museen, rund 120 Künstler – CHINA 8 ist die bislang größte museale Bestandsaufnahme zeitgenössischer chinesischer Kunst weltweit. Namhafte Künstler treffen dabei auf junge, hierzulande weitgehend unbekannte Protagonisten. Die neun Museen zeigen rund 500 Werke aus den Sparten Malerei, Skulptur, Fotografie, Tuschezeichnung, Kalligrafie, Installation und Objektkunst sowie Video und Sound. Jedes Museum präsentiert dabei entsprechend seiner Sammlungs-geschichte, den räumlichen Besonderheiten und der eigenen programmatischen Ausrichtung eine Sparte der zeitgenössischen chinesischen Kunst – lediglich das NRW-Forum Düsseldorf bildet das Entree zur Ausstellung und versammelt Werke mehrerer beteiligter Künstler. Im Zusammenspiel ergibt sich ein facettenreicher Ausschnitt der aktuellen Kunstlandschaft der Volksrepublik China. CHINA 8 versteht sich als Einladung, eine höchst spannende und aktive Kunstszene auf einer Entdeckungsreise durch die Metropole Ruhr zu erleben.

Essen/Düsseldorf. 14.000 Menschen haben an den ersten zehn Besuchstagen die CHINA 8-Ausstellungen an Rhein und Ruhr besucht. Die Erwartungen der Museumsdirektoren wurden deutlich übertroffen. „Dies ist ein hervorragendes Ergebnis für unsere Museen. Es zeigt, dass der gelungene Mix aus unterschiedlichen Ausdrucksformen chinesischer Kunst den Nerv des Publikums getroffen hat“, freute sich der Vorsitzende des kuratorischen Teams Prof. Walter Smerling. Dabei wurde viel nationales wie internationales Publikum angelockt. Besonders interessant: Bei Analysen der Zielgruppen fanden die Macher heraus, dass 38 Prozent der Interessenten unter 34 Jahre alt sind. Das Angebot lockt also überproportional viele junge Menschen an. Viele Besucher nutzen aktiv das Kombi-Ticket, das einen einheitlich ermäßigten Eintritt für alle neun Museen in acht Städten an Rhein und Ruhr garantiert. Ebenfalls ein großes Plus für flächendeckend gute Besucherzahlen: Der kostenlose Bus-Shuttle, der alle Museen regelmäßig miteinander verbindet. Der gute Start ermutigt zu mehr Kooperation unter den Museen im Ruhrgebiet. „CHINA 8 verbindet die Museumslandschaft an Rhein und Ruhr. Das Projekt beweist, wenn wir hier an einem Strang ziehen, dann finden wir auch international mehr Beachtung“, betonte Ferdinand Ullrich, Sprecher der Ruhrkunstmuseen und Museumsdirektor in Recklinghausen.

Neue Veranstaltungsreihe zur Lage der Kunst in China

Unter dem Titel „Das Bild hinter dem Bild – zur Lage der Kunst in China“ lädt die Universität der Künste Berlin Künstlerinnen, Künstler, Kulturschaffende und Intellektuelle aus der Volksrepublik China nach Berlin ein. In Kooperation mit dem Haus der Kulturen der Welt eröffnet die UdK Berlin damit innerhalb eines Jahres eine Gesprächsreihe über die Gegenwartskunst in China, die die vielschichtigen Perspektiven der bewegten Kunstlandschaft dieses großen Landes vor Augen führt und sie in einen gesellschaftlichen Kontext setzt.

In Form von Gesprächen, Ringvorlesungen und Künstlerworkshops werden Protagonistinnen und Protagonisten der chinesischen Gegenwartskunst im Dialog mit internationalen Expertinnen und Experten Einblicke in die rasanten Entwicklungen der jüngsten Kunstgeschichte Chinas vermitteln und eine intensive Begegnung mit chinesischer Kunst ermöglichen. Die Diskussionen spiegeln das Spannungsfeld zwischen politischen und poetischen Strategien wider. Sie stellen Fragen nach der gesellschaftlichen Rolle der Künstler sowie den künstlerischen Visionen, die das Land bewegen. Im Blickwechsel zwischen hier und dort kreuzen sich die Perspektiven aus und auf die Kunst Chinas. Sie enthüllen ein unbekanntes und vielgestaltiges Bild – das Bild, das hinter dem Bild erscheint.

Seit Sommer 2006 kooperiert die UdK Berlin mit mit der China Academy of Art in Hangzhou in einem weiterbildenden Masterstudiengang Bildende Kunst und Gestaltung. Dieser bislang zumeist einseitige Wissenstransfer von Deutschland nach China soll nun einen Richtungswechsel erfahren. Die Berufung Ai Weiweis als Einstein- Gastprofessor an die UdK Berlin war dabei ein weiterer Schritt. Mit„Das Bild hinter dem Bild – zur Lage der Kunst in China“, initiiert vom Präsidenten der UdK Berlin Prof. Martin Rennert, erfährt diese Auseinandersetzung nun eine neue Dimension.

Die Veranstaltungsreihe wird kuratiert von den Künstlern und Chinaexperten Andreas Schmid und Bignia Wehrli. Zur Auftaktveranstaltung diskutieren der chinesische Künstler und Leiter der diesjährigen Shanghai Biennale Qiu Zhijie, der Leiter von Arthub Asia, Shanghai, Davide Quadrio und der Schriftsteller Tilman Spengler aus München. Es moderieren Andreas Schmid und Bignia Wehrli.

16. Januar 2015, 19 Uhr
Auftaktveranstaltung „Das Bild hinter dem Bild – zur Lage der Kunst in China“
politisch und poetisch – zum Spannungsverhältnis von Gegenwartskunst und Gesellschaft
Begrüßung: Prof. Martin Rennert, Präsident der UdK Berlin
mit
Qiu Zhijie, Künstler und Leiter der diesjährigen Shanghai Biennale, Peking
Davide Quadrio, Arthub Asia, Shanghai
Tilman Spengler, Schriftsteller, München
Moderation: Andreas Schmid and Bignia Wehrli, Künstler und Projektteam, Berlin

Jazz-Institut Berlin
Einsteinufer 43-53, Berlin-Charlottenburg
Veranstaltung in englischer Sprache mit deutscher Simultanübersetzung

Kontakt: Joachim Schwalbe, Tel: 030-3185-2726

17. Januar 2015, 19 Uhr
Monumente und Erinnerung
mit
Qiu Zhijie,Künstler und Leiter der diesjährigen Shanghai Biennale, Peking
Davide Quadrio, Arthub Asia, Shanghai

Der Künstler Qiu Zhijie gibt Einblick in sein reichhaltiges künstlerisches Schaffen. Im anschließenden Gespräch mit Davide Quadrio wird über Konzeption und Umsetzung der diesjährigen Shanghai Biennale 2014 diskutiert.

Theatersaal, Haus der Kulturen der Welt
John-Foster-Dulles-Allee 10, Berlin
www.hkw.de
Veranstaltung in chinesischer Sprache mit englischer Simultanübersetzung

30. Januar 2015, 17 Uhr
Die Bewegung ’85 und das Moderne Bewusstsein – Aufbruch der künstlerischen
Avantgarde in China in den 80er Jahren
mit
Andreas Schmid, Künstler, Berlin
Martina Köppel-Yang, Kunstwissenschaftlerin, Paris

Martina Köppel-Yang und Andreas Schmid stellen eine Insidersicht der chinesischen Avantgardebewegung, der ‘Bewegung ’85’ vor. Beide Referenten studierten in den 80er Jahren in zwei der lebendigsten Zentren dieser Bewegung, in Beijing und Hangzhou. Sie diskutieren den historischen Hintergrund, sowie die politischen und sozialen Bedingungen der chinesischen Avantgarde’, wobei die persönlichen Erfahrungen im China der Ära Deng Xiaopings ihrer Analyse grosse Anschaulichkeit verleihen.

UdK Berlin, Hardenbergstrasse 33, Raum 110

13. Februar 2015, 17 Uhr
Beschleunigung und Umbrüche in China – die Kunst der 90’er
mit
Marianne Brouwer, Kuratorin, Niederlande
Karen Smith, Kuratorin, Beijing/ Xian

Die Gegenwartskunst im China der 90er Jahre war besonders aufregend. Es war die Geburtsstunde des „Zynischen Realismus“ und des „Politischen Pop, jedoch auch einer in der Öffentlichkeit wenig präsenten ‚unsichtbaren’ Kunst, die sich in Künstlerzirkeln abspielte. Diese Kunst bildet das Rückgrat der konzeptionellen Kunstpraxis heute. Die beiden Zeitzeuginnen nehmen diese Entwicklungen genauso ins Auge wie die gesellschaftlichen Umbrüche und die ersten Schritte der jungen Kunst auf internationalem Parkett.

UdK Berlin, Hardenbergstrasse 33, Raum 110

17. April 2015, 19 Uhr
Öffentlicher Raum in China – Strategien der Einbeziehung
Podiumsdiskussion mit

Zheng Guogu, Künstler, Guangzhou
Xu Tan, Künstler, Guangzhou
Uwe Fleckner, Direktor des Warburg Instituts, Hamburg
Moderation: Biljana Ciric, Kuratorin, Shanghai

Biljana Ciric diskutiert mit ihren Gästen, den Künstlern Xu Tan und Zheng Guogu sowie dem Kunstgeschichtler und Philosophen Uwe Fleckner über das Verständnis von öffentlichem Raum in China. Dabei wird auch die Frage thematisiert, wie Künstler und Kuratoren durch ihre Arbeit Präsenz im öffentlichen Raum beanspruchen. Angesichts der sich wandelnden Beziehung zwischen Künstlern und Staat zeichnet die Diskussion die wechselnden Formen kritischer Auseinandersetzung und die Zusammenhänge für Kunst im öffentlichen Raum nach und untersucht den virtuellen Raum als wichtiges Forum öffentlicher Diskussion.

Jazz-Institut Berlin, Georg-Naumann-Saal, Einsteinufer 43-53, Berlin

18. April 2015, 17 Uhr
Kuratieren als Intervention – Ausstellungen machen in China
Talk mit
Biljana Ciric, Kuratorin, Shanghai
Liao Wenfeng, Künstler, Berlin/Shanghai

Zeitgenössische Kunst in China durchlief viele Veränderungen in dem letzten Jahrzehnt und es stellt sich die Frage, wie man als Künstler und Kurator in diesem Umfeld weiter arbeitet. Ciric stellt ihre Arbeit als unabhängige Kuratorin in China nach 2007 vor und untersucht die Relevanz von kuratorischer Praxis im lokalen Kontext, wo kuratorisches Arbeiten kaum existiert. Nach Cirics Präsentation von einigen Ausstellungen mit Bezug zu lokalen Kontexten wird sie mit dem Künstler Liao Wenfeng die Rolle von künstlerischer und kuratorischer Praxis als Katalysator für Veränderung diskutieren.

UdK Berlin, Raum 310, Hardenbergstraße 33, Berlin

15. Mai 2015, 17 Uhr
Tusche und Performance – die Ausdruckskraft der Linie in der chinesischen Kalligraphie
Talk mit
Lu Dadong, Künstler, Hangzhou

Die Kunst der Linie ist in China seit über 2000 Jahren sowohl der Schrift als auch der Malerei eigen und verbindet die beiden Kunstformen aufs engste miteinander. Die speziellen Eigenschaften des Pinsels und der Tusche waren für die Entwicklung der ideographischen chinesischen Schrift ausschlaggebend. Dabei ist das performative Moment des Schreibakts und die hinterlassene Spur eines ‚Jetztʻ zentral. Inwiefern lassen sich Verbindungen zwischen der traditionellen Kalligraphie und performativ orientierter Gegenwartskunst in China erkennen?

UdK Berlin, Raum 310, Hardenbergstraße 33, Berlin

02. Juni 2015, 19 Uhr
Zukunft im Umbau ‒ Soziale Netzwerke und Medienkunst in China
Podiumsdiskussion mit
Zhang Peili, Künstler, Hangzhou
Hito Steyerl, Künstlerin, Berlin
Isaac Mao, Blogger, Shanghai
Moderation: Li Zhenhua, Kurator, Zürich/Peking

Gibt es eine „Gegenwartskunst in China“ oder eine „gegenwärtige chinesische Kunst“? Diese Kontroverse wird in Kunstkreisen innerhalb Chinas heftig diskutiert. Ist neue Medienkunst durch eine Konvention des Stils oder der Form geprägt? Wieso erfuhr Medienkunst in China als erste experimentelle Kunstform staatliche Förderung? Ausgehend von den Anfängen der Videokunst in den 90er Jahren bis hin zum jetzigen Zeitalter der Sozialen Netzwerke folgt die Diskussion der Frage, welche neuen Zukunftsbilder die neuen Medien hervorrufen und inwiefern sie unser Zeit- und Geschichtsbewusst sein verändern.

Haus der Kulturen der Welt, Theatersaal, John-Foster-Dulles-Allee 10, Berlin

05. Juni 2015, 17 Uhr
Kurator am Wendepunkt
Talk mit
Li Zhenhua, Kurator, Zürich/Peking

Die Strukturen der Kunstlandschaft Chinas haben sich in den letzten zwei Jahrzehnten rapide verändert. Das betrifft die Galerien wie auch die Off Spaces, die Rolle der Kuratoren und der Sammler aus dem Aus- und Inland, den Boom der in den letzten fünf Jahren neu entstandenen und entstehenden Museen und die Kunstbiennalen. Was sind die Konsequenzen dieser Entwicklungen und wie wirken sie sich auf die Arbeitsweise der Künstler und Kuratoren aus? Li Zhenhua, der seit den 90er Jahren aktiv in der Kunstszene Chinas involviert ist, reflektiert seine Arbeit als Kurator.

UdK Berlin, Raum 310, Hardenbergstraße 33, Berlin

Reporter & Editor： Ling TAO